(13.11.2025) „Kunst kann’s e.V.“ hilft zum zwölften Mal durch die öffentliche Versteigerung von zeitgenössischer Malerei, Fotografie und Skulpturen. Über 60 Künstler aus Wuppertal und der Region haben ihre Arbeiten für den guten Zweck beigesteuert. In der abendlichen Auktion im Foyer des Schauspielhaus Wuppertal wurden über 36.000,- € eingesammelt.

Der 2013 gegründete Verein hat sich zum Ziel gesetzt, durch Kunstauktionen Spenden zur Förderung von Kindern und Jugendlichen in Wuppertal zu sammeln. Jedes Jahr werden ein oder mehrere karitative Kinder- und Jugendprojekte in Wuppertal unterstützt.

Auch in diesem Herbst wurde wieder eine spannende Kollektion von über 60 künstlerischen Beiträgen zusammengetragen, die sich am Vortrag der Auktion in Schauspielhaus Wuppertal aus der Nähe betrachten ließ. Ich habe mich sehr über die Einladung zur Teilnahme an der Spendenaktion gefreut und habe eine Arbeit aus der Werkgruppe „Kunst des Gleichgewichts“ beigesteuert, die auch tatsächlich erfolgreich versteigert wurde und den Spendentopf um eine beachtliche Summe bereicherte.

(07.10.2025) In einem Kunstworkshop unter der Leitung von Julia Schabrod (durchgeführt von „BauKinderKultur“, eine Einrichtung der kulturellen Bildung in Düsseldorf) erarbeiten Kinder ab 7 Jahre das Thema „OhrKopfFuss“ und modellieren menschliche Formen und Figuren aus Ton und Gips. Ich hatte das Glück, einige der entstandenen Arbeiten auf meinem Fototisch zu fotografieren und mich auf diese Weise erstmalig dem Thema „Portrait“ zu nähern.

Die Arbeiten der Kinder beschäftigen sich mit fiktiven Figuren und gestalten die Idee von einer menschlichen Gestalt. Sie beziehen sich jeweils auf die individuellen Erfahrungen, Erinnerungen und Vorbilder aus dem „echten“ Leben als Quelle ihrer Inspiration. So hat der eine Kopf etwas von einer Karikatur, der andere von einer antiken Statue. Der dritte Kopf erinnert klischeehaft an Halloween-Masken und der vierte gerät zur Wiedergabe eines Kino-Helden. Die Kinder modellieren weniger konkrete Personen, als vielmehr Stimmungslagen, Gefühle, Erinnerungen an abwesende Vorbilder. Sie zeigen Fratzen, fragile Gesichter, Deformationen, Brüchiges, Masken und Schmerzen. Sie portraitieren genau das, was sie fühlen und was Teil ihrer Wirklichkeit ist, in der sie aufwachsen. Sie machen den täglichen Eindruck zum individuellen Ausdruck.

Portraits zu fotografieren gehört nicht zu meinen bevorzugten Motiven oder gar Stärken. Ich scheue die Nähe, fürchte die Übergriffigkeit und lehne es ab, die fotografierte Person als Projektionsfläche für Zuschreibungen, Interpretationen oder übergestülpte Typisierungen zu benutzen. Ein Portrait, so meine Unterstellung, hat mehr mit dem Fotografen als mit der fotografierten Person zu tun. Das Bild zeigt, wie der Fotograf die Person sieht oder sehen möchte. Was zu beweisen wäre…

Anders ist es bei dieser sich bietenden Gelegenheit, die von Kindern modellierten Ideal-Köpfe aus Ton oder Gips zu fotografieren. Es sind Nahaufnahmen von Artefakten, die für keine konkrete Persönlichkeit, sondern bestenfalls für einen Typus, für eine Puppe, für eine idealisierte Figur stehen und ohne Leben und Seele sind. Die Inszenierung des Puppenkopfes im Licht und vor der Linse haucht dem Dargestellten Leben ein und hebt es in die Bedeutungshaftigkeit, als handele es sich um eine lebende Persönlichkeit, die durch das Foto offenbar wird. Gefühle, Stimmungen, Charaktere werden eindringlich sichtbar und gleichzeitig auch pathetisch überhöht. Von Dunkelheit umgeben und von Ablenkung getrennt konzentriert sich der betrachtende Blick auf die sparsam beleuchtete Figur und fühlt sich erinnert an die Vorbilder aus der Malerei des Barocks und der Renaissance. Im Augenblick eingefrorenes, sinnliches Leben, das für den Alltag steht und die Jenseitigkeit beschwört.

Die zweifache kreative Übersetzung, einerseits die von Kindern gestalteten Köpfe und andererseits die Inszenierung dieser Köpfe für die Kamera im Stil der Portraitmalerei und -Fotografie erzeugt eine Verdichtung und Intensität, in der Deformation, Schmerz, Zerrissenheit und Widersprüchlichkeit als vorrangig herrschende Gefühlslage unserer aller Existenz in Erscheinung tritt.

(07.10.2025) Und da stehen sie dann in ihrer alltäglichen Erscheinung und in der einzigen, sinnvollen und halbwegs stabilen Häufung, die der Alltag für sie erfunden hat: der Spülberg mit Appellstruktur. Ein Mahnmal des noch zu Erledigenden, ein Haufen ungetaner Arbeit, ein Zeugnis vergangener Zweckhaftigkeit. Mit klaren Formen, rechteckig, rund, mit glatten Oberflächen ohne Kratzer oder Gebrauchsspuren, fast makellos, wie neu. Die Flächen spiegeln sogar und erinnern an Klavierlack. Ihre Farben sind kräftig bunt, wirken fröhlich, unbeschwert, knallrot, hellblau, türkis und gelb wie Eidotter.

Dazwischen transparentes oder halbtransparentes Material, das sich mit den anderen Farben und Formen mischt, obwohl es nicht ins Konzept passt. Es folgt einem anderen System, einem anderen Konzept: nicht eckige Dosen, sondern runde Schälchen, die sich mit hellblauen runden Deckeln platzsparend stapeln lassen. Sogar eine Blechdose in schillerndem Nirosta-Silber gesellt sich dazu und bietet eine solide Grundlage für die wacklige Angelegenheit. Sie folgt keinem System und bleibt ein Einzelstück. Ebenso wie der Löffel mit dem fröhlichen Stiel, der Unordnung ins Bild bringt. Oder die Pappschale mit ihrer grauen, groben Oberfläche.

Genauso wie der kleine weiße Tischtennisball, der wie eingefroren vor dem Dosenberg in der Luft zu hängen scheint. Dies alles irritiert, stört die Ordnung aus Linien und Flächen, aus Farben und Formen. Es bringt Leben in das Gestapelte und macht aus dem uninspirierten Haufen eine fast lebendige Kreatur.

Plötzlich assoziiert die Betrachtung eine Figur mit Kopf und Armen, mit Statur und Haltung. Immer noch Dosen, Deckel und Schachteln drängt sich aber auch eine wiedererkennbare Physiognomie in den Vordergrund, die von einer eigenen, kuriosen, vielleicht grotesken Realität berichtet. Der Charm der Collage, des zufälligen Ereignisses, der liebenswerten Unordnung, jenseits der systemischen Zwänge, der konzeptionellen Zweckhaftigkeiten und des täglichen Spüls.

(30.06.2025) „Die Grosse 2025“ ist gestartet und ich habe das Glück, Teil dieser tollen Präsentation zu sein und drei Arbeiten aus meiner Serie „Balancen“ zeigen zu können.

DIE GROSSE Kunstausstellung NRW Düsseldorf

Von KünstlerInnen für KünstlerInnen: 184 Kreative nehmen 2025 mit ca. 350 Kunstwerken teil. Alle Werke können von den Besuchenden ohne Beteiligung einer Galerie direkt vor Ort erworben werden!

Auch als „kleines Format“ zum Mitnehmen

Nicht nur in „Die Grosse“ bin ich in diesem Jahr vertreten, sondern auch in der Sonderausstellung „Das kleine Format“. Hier biete ich eine kleine Edition von 4 „Figuren“ im Mitnehm-Format 30 x 21 cm, jeweils in einer Auflage von 7 (plus 2 Aps) Exemplaren.

DAS KLEINE FORMAT präsentiert eine große Auswahl kleinformatiger Arbeiten (max. 40 x 50 cm) in einem Preissegment bis 1.000 Euro gezeigt. Die Werke können im Verkaufsbüro, welches sich im gleichen Saal befindet, direkt erworben und mitgenommen werden!

https://www.diegrosse.de/das-kleine-format/

… in Solidarität mit der Ukraine im Weltkunstzimmer, Düsseldorf

(30.06.2025) „Vom 26.6. bis 13.7. findet das zweite große Charity Projekt der Düsseldorfer Künstler*innenschaft in Solidarität mit der Ukraine im Weltkunstzimmer (Ronsdorferstr. 77a) statt. Innerhalb einer Ausstellung stellen eine Auswahl von Künstler*innen ihre Arbeiten zum Verkauf zur Verfügung. Die Erlöse kommen Künstler*innen und Kunstprojekten in der Ukraine zu Gute.
Mit unserem Charity Projekt möchten wir nicht nur die Ukraine unterstützen, sondern auch unsere gemeinschaftlichen europäischen Werte von Freiheit, Frieden, Solidarität und Kunst hervorheben und stärken. Wir glauben an die Community of Artists in Europe. Parallel zur Ausstellung möchten wir Gäste und Partner zu Veranstaltungen wie Konzerte, Lesungen, Gesprächsrunden einladen.“ (EU_UA, Juni 2025)

EU UA, 26. Juni – 13. Juli 2025

Über 200 KünstlerInnen nehmen an der Präsentation teil und circa 400 Werke werden in den zahlreichen Räumen der ehemaligen Backfabrik gezeigt. Schon ein erster, oberflächlicher Blick während der Eröffnung lässt mich begeistern von der Vielfalt und Kreativität der zahlreichen, sehr unterschiedlichen künstlerischen Positionen. Ich bin froh, dabei zu sein und Teil dieser bunten und positiven Schau zu sein. Ich zeige ein aktuelles Blumenstillleben im Format 50 x 70 cm.  Es ist ein gerahmter Fine Art Print auf Hahnemühle matt, von dem es 7 Exemplare zzgl. 2 Aps geben wird, Format 50 x 70 cm.

Da es schwer sein wird, die Arbeit zwischen den vielen anderen wunderbaren Werken und in den zahlreichen Räumen zu entdecken, haben ich Ausschnitte erstellt, die ich auf Instagram veröffentliche. Es sind anmutige Details, die auffordern, das dazugehörende ganze Bild in der Ausstellung zu finden. Bei der Suche nach dem Bild kann man dann auch die gesamte Ausstellung betrachten und vielleicht ja die eine oder andere Arbeit erwerben.

(30.06.2025) Der engagierte Künstlerbund Tübingen e.V. in der Altstadt hat zu einer Themenausstellung in 5 Phasen mit einem bundesweiten Open Call zur Teilnahme eingeladen. „Lebens-Mittel“ ist das Rahmenthema, dem alle TeilnehmerInnen ihre Aufmerksamkeit widmen und mit unterschiedlichen Positionen eine sehr breit gefächerte Präsentation schaffen.

Anlässlich der Tübinger Einladung habe ich mein Archiv durchsucht und bin dabei auf eine große Anzahl von Motiven gestoßen, die zum Thema passen. Lebensmittel, Obst, Gemüse, Brot, Getränke, gehören immer wieder zu meinen beliebten Stillleben-Motiven.

Die Motive haben einiges gemeinsam. Sie zeigen die Schönheit der naturgegebenen Pflanzenform, die wir als Lebensmitteln nutzen können. Sie zeigen aber auch, wie diese Pflanzen durch die industrielle Produktion der Zwecksetzung als Handelsware und massenhaftes Lebensmittel unterworfen werden. Sie werden idealisiert und standardisiert. Sie werden geschnürt und gebündelt, in Plastik eingepackt, mit chemischen Mitteln haltbarer gemacht, weit transportiert und schließlich weggeschmissen, sobald sie den geringsten Mangel aufweisen. Massenware.

Und so zeigen die ausgewählten fünf Gemüse-Motive, dass sie und wie sie auf der Kippe stehen zwischen natürlichem Gewächs und industriellem Produkt, zwischen Natur und Kultur, zwischen Nutzen und Schaden, zwischen Genuss und Unterwerfung, zwischen Schönheit und Verderben.

Zu meiner großen Freude haben alle eingereichten fünf Arbeiten ihren Weg in die Ausstellung gefunden. Sie werden als Fine-Art-Print auf mattem Hahnemühle-Papier gedruckt im Format 60 x 80 und mit Passepartout gerahmt auf 70 x 100. Auflage 7 Exemplare (zzgl 2 Aps). Die Arbeiten wurden von mir ohne Rahmen angeliefert und von Carola Devor (eine tolle Malerin: https://www.caroladewor.com/) freundlicherweise gerahmt und gehängt. Sie kam dabei auf die glänzende Idee, die Bilder als Objekt in einen Objektrahmen zu präsentieren, ohne Glas oder schützender Membrane. Das steigert deren plastischen Charaktere und steigert die visuelle Oberflächenstruktur. Eine einfache Idee mit großer Wirkung – vielen Dank. Das werde ich (wo es möglich ist) – übernehmen.

Dem Team des Künstlerbund Tübingen e.V. danke ich für die sehr herzliche, kollegiale Aufnahme und die wirklich hervorragende Platzierung auf der zentralen Wandfläche in der Ausstellung.

(04.02.2025) DIE GROSSE (vollständiger Name: „Die Große Kunstausstellung NRW Düsseldorf“) ist die älteste und größte Verkaufsausstellung im deutschsprachigen Raum, die komplett von Künstler*innen organisiert wird. Ausgerichtet vom „Verein zur Veranstaltung von Kunstausstellungen VzVvK e.V.“, gastiert sie traditionell im Kunstpalast Düsseldorf und, seit einigen Jahren, zusätzlich im NRW-Forum, Düsseldorf. Sie ist eine bedeutende Plattform zur Vermittlung und zum Verkauf von aktueller Kunst in der Region.

Meine Teilnahme-Bewerbung ist akzeptiert worden und ich habe die Zusage, meine Arbeiten auch in diesem Jahr in der öffentlich stark beachteten und beliebten Veranstaltung präsentieren zu können.  Erstmalig 2022 war ich mit drei Arbeiten aus der Serie „Auf der Kippe“ vertreten. In diesem Jahr zeigt ich drei Arbeiten aus der Serie „Balancen“ (2022): Teller, Flaschen und allerlei Kram türmen sich zu fragilen und labilen Objekten, die im Augenblick der empfindlichen Balance als Stillleben fotografiert werden.

Etwa 1.200 Bewerbungen wurden in diesem Jahr zur Teilnahme eingereicht, wovon es 1.050 in die engere Wahl geschafft haben. Am Ende wurden ca. 180 Künstler*innen ausgewählt, die an DIE GROSSE 2025 teilnehmen werden. Eine Knochenarbeit für die siebenköpfige Jury. Sie bestand aus drei gewählten Künstlern*innen unterschiedlicher Fachrichtungen (Carolin Israel für die Malerei, Prof. Kris Scholz für die Fotografie und Katja Tönnissen für die Bildhauerei), zwei Mitgliedern des Veranstalter-Vereins „VzVvK e.V.“ (Carola Eggeling und Tine Bay Lührssen) und zwei Kunsthistorikerinnen (Barbara Till, Kunstpalast, und Dr. Anna Storm, Von der Heydt-Museum in Wuppertal).

Die Ausstellung startet am 28. Juni um 18.00 Uhr mit einer großen Eröffnung und dauert bis zum 3. August 2025. (Di bis So: 11-18 Uhr, Do: 11-21 Uhr, Mo: geschlossen)

https://www.diegrosse.de/

(16.11.2024) „Das Fotograf Festival erforscht die Schnittpunkte von Fotografie und zeitgenössischer Kunst – genau wie seine Partnerprojekte Fotograf Gallery und Fotograf Magazine. Das Festival findet in den Herbstmonaten statt und präsentiert aktuelle Themen in Einzel- und Gruppenausstellungen, die in Zusammenarbeit mit eingeladenen in- und ausländischen Kuratoren in verschiedenen Prager Galerien und Institutionen vorbereitet werden. Eine Reihe von Diskussionen, Künstlergesprächen, ortsspezifischen Veranstaltungen, Ausstellungen im öffentlichen Raum, Projektionen und geführte/kommentierte Touren begleiten das Ausstellungsprogramm. Das Fotograf Festival ist das einzige thematisch und kuratorisch konzipierte Fotofestival in der Tschechischen Republik. Sein Ziel ist die Förderung des Mediums Fotografie und seine breitere Integration in die zeitgenössische Kunst und in das Bewusstsein der breiten Öffentlichkeit.

Die Hauptkuratoren des vierzehnten Fotograf Festivals sind Noemi Smolík und Adam Vačkář. Das Hauptprogramm des Festivals besteht aus mehreren Ausstellungsprojekten, einem Fachsymposium und begleitenden Veranstaltungen, die im Oktober 2024 stattfinden werden.“ (https://2024.fotografestival.cz/en/)

Im Rahmen dieses jährlichen Fotofestival in Prag haben ich mich an einem Open Call beteiligt. Es wurden zur Beteiligung aufgerufen, um eine originelle Idee umzusetzen: Geplant ist es, Werbe-Lichtkästen entlang von Prager U-Bahnlinien für Fotografien zum Thema „Identität“ zu nutzen. Den Auftakt bildet eine Pop-Up-Präsentation am 17.November in der Eingangshalle der Station Můstek, Linie A, Wenzelsplatz. Weite Schaukästen sind in Vorbereitung. Die Aktion dauert bis zum 31.Dezember.

Als ich den Aufruf las habe ich sofort an meine Figuren aus der Serie „Who are you?“ gedacht. Das Thema passt genau zu den Bildern, beziehungsweise umgekehrt. Die Freude war groß, als ich erfuhr, dass ich einer von vier Gewinnern war, die zur Teilnahme am Projekt eingeladen wurden. Nun hängen also meine „Typen“ im Prager Stadtteil Můstek in der Eingangshalle der U-Bahn-Station Můstek (Wenzelsplatz) und bringen die Prager Stadtbevölkerung sicherlich zum Schmunzeln. Schade, dass es mir nicht möglich ist, die Präsentation selber aus der Nähe anzuschauen. Zu aufwendig und zu teuer wäre eine Reise nach Prag. Ich hoffe, dass der Veranstalter Fotos macht und sie zur Verfügung stellt.

( 16.11.2024) Im Oktober 2024 erzählte mir die geschätzte Kollegin Beate Knappe (www.beateknappe.de) von ihren zahlreichen Podcast-Aktivitäten („Zwei weisse alte Frauen“, „Momentaufnahme“ & „Fuck you Adenokarzinom“) und schlug vor, die nächste Folge von „Momentaufnahme – Gespräche über Fotografie“ mit mir zu machen. Sie lud mich ein zu einem lockeren Gespräch, zu einem einstündigen Interview vor dem Mikrophon, das anschließend ohne Schnitt und Überarbeitung auf ihrer Seite verfügbar sein wird.

Spannend.

Ich hab sowas noch nie gemacht und war ein wenig zögerlich. Aber dann war ich doch sehr überrascht, wie ungezwungen, aufmerksam und persönlich Beate Knappe das Gespräch führte, interessante Fragen stellte und eigene Erfahrungen ergänzte. Sehr kurzweilig und im  Gespräch verging die Zeit wie im Flug. Vielleicht ist das die Ursache dafür, dass der Podcast zum Ende hin ein wenig zu lang erscheint. Dennoch finde ich, es ist ein hörenswertes Dokument geworden: https://beateknappe.de/163-momentaufnahme-christoph-honig

(07.10.2024) Die wackeligen Konstruktionen, waghalsigen Türmungen und riskanten Stapelungen aus Konservendosen, Kartons und Gläsern haben sich weiterentwickelt. Aus beinah kippenden, unentschiedenen, instabilen Gebilden schälen sich langsam Erscheinungen heraus, die Erinnerungen an Figuren wachrufen. Vielleicht ursprünglich nur eine Spielerei, ein Interludium ohne Verpflichtung, eine Fingerübung oder Gelegenheit, die man am Schopfe packt ohne Bedeutung. Diese Spielerei hat sich überraschend zur selbständigen Werkgruppe ausgewachsen mit der forschenden Überschrift „Who are you?“. Der Hit der englischen Pop-Band „The Who“ lief im Hintergrund.

Die Motivgruppe zeigt Gebilde, die sich aus Alltagsdingen zusammensetzen und zu Figuren stapeln. Gläser, Porzellan, Schachteln, Tassen, Konservendosen, Schalen, Vasen oder auch Eierkarton bilden den Rumpf, den Oberkörper, den Hals. Knöpfe, Ping-Pong Bälle, Haushaltsgummis, Servierpapier oder vertrocknete Blütenblätter lassen an Augen, Kragen, Haare, Nasen, Ohren oder Arme erinnern. Alles setzt sich erstaunlicherweise nahtlos zusammen zu puppenartigen Figürchen. Sie zitieren Typen und Charaktere, die uns irgendwie bekannt und vertraut sind. Da ist der Militär, der Pfaffe, das Elternteil mit Kind, die Mamsell und ein Exot. Oder es sind Materialcollagen, die sich zu vorbildlosen aber offensichtlichen Personenerscheinungen zusammensetzen. Der Afrikaner, der Kardinal, der Soldat. Aber das sind alles keine zwingenden und angestrebten Identitäten. Es sind zufällige Figuren-Assoziationen, die sich aufdrängen und die eine ganz eigene, witzige Geschichte erzählen und zum Schmunzeln einladen.

Interessant wird es an jenen Stellen, an denen die Figürlichkeit zurücktritt und die Stapelung von Alltagsdingen übrigbleibt. Wenn die Gebilde changieren, wenn sie hin und her kippen zwischen gestapeltem Alltagskram einerseits und erkennbaren Figuren oder Gesichtern andererseits. Dann wird aus der Abbildung ein spannendes Vexierbild, das unentschieden zwei Ansichten hat: die abstrakte Konstruktion und die konkrete Figur.

(07/2025) Beim diesjährigen Fotosommer Stuttgart 2024 wurde bundesweit zum Zeitgeist-Thema „Transformation“ eingeladen. Ich hatte mich mit 8 Arbeiten aus meiner Serie „Die Kunst, das Gleichgewicht zu halten“ um einen Platz in der zentralen Schau in der Staatsgalerie beworben. Mein Bemühen wurde belohnt mit einer Gruppenpräsentation in der Volkshochschule Stuttgart, kuratiert von Bettina Michel.  Meine Arbeiten hingen neben Karolin Black, Stephan Zirwes, Olaf Mahlstedt und Jürgen Altmann.

Meine Bewerbung für „The Gällery – Raum für Fotografie“ in der Stuttgarter Staatsgalerie präsentiert Geschirrstapel, Konservendosen, Eierkartons und anderen kunsthistorisch wertlosen Kram ohne Symboltradition, der sich zu waghalsigen Konstruktionen stapelt und türmt. Unterschiedliche Formen und kontrastierende Materialien gehen widersprüchliche und temporäre Allianzen ein, die ausbalanciert und scheinbar eingefroren einen labilen Moment des Gleichgewichts zeigen.

Es entstehen imposante und witzige Konstruktionen an der Grenze der Glaubwürdigkeit. Ein scheinbar stabiler Augenblick einer äußerst instabilen Figur. Es braucht nicht viel, um alles zum Einstürzen zu bringen, so dass vielleicht im nächsten Moment alles in sich zusammenbricht und mit großem Getöse aufschlägt. Oder aufsteigt zu neuer Blüte, origineller Identität und unbekannter Nützlichkeit.

Die Darstellung von Glas wird durch Spiegelungen des Lichtes erschwert und durch die Materialität des Glases selber, das sich wegen seiner Transparenz gerne unsichtbar macht.

In meinen Stillleben-Bildern habe ich die Beschaffenheit des gläsernen Materials und seiner Farbigkeit betont durch ein weiches, diffuses Streulicht, das weitgehend ohne harte Lichtreflexe und unpassende Spiegelungen auskommt.

Das ursprünglich meditative Stillleben-Motiv mit Gläser und Flaschen erinnert an die Malerei von Giorgio Morandi oder an einen Berg leerer Flaschen nach der Party. Es entwickelt sich aber weiter zur Beschreibung des Verwandlungsprozesses von Formen, Figuren und Szenerien. In unterschiedlichen Konstellationen lösen sich die Gegenstände weiter auf, nicht nur die Konturen und Linien, die Flächen und Volumen, sondern auch der gesamte Bildraum. Bis hin zur gänzlichen Unkenntlichkeit, bei der die Unschärfe das restliche Licht zu Lichtpunkten und Lichtspuren verzerrt, die den Körper des transparenten Materials mehr schätzt als definiert.

Die sanfte Auflösung, der Identitätsverlust und der langsame Übergang von Ordnung zu Chaos sind das Thema dieser nicht abgeschlossenen Werkgruppe mit über 30 Einzelarbeiten.

Die Arbeiten werden in Museumsqualität im Mindest-Format 30 x 50 cm plus 10 cm Rand je Seite auf mattem Büttenpapier ausgedruckt.

Wer kennt sie nicht: Türme von Spül. Unerledigter Haushalt, altes Geschirr, Töpfe und Besteck, die sich im Spülbecken stapeln und oft auch daneben. Es ist nie genug Platz dafür.

Diese alltägliche Beobachtung ist Ausganspunkt für die kleine Serie von Geschirr mit Töpfen und Besteck, die um Gleichgewicht ringen und gleichzeitig auf Erledigung drängen. Farbenfroh, ironisch und in der Manier alter Malereien werden diese Werkzeuge und Berge täglicher Esskultur vor dunklem Hintergrund und mit sparsamem Licht in Szene gesetzt.

Losgelöst aus dem Kontext des täglichen Ärgernisses präsentiert sich das Porzellan in waghalsigen Stapeln und beunruhigenden Türmungen, denen man das Gleichgewicht kaum glauben mag und damit rechnet, dass alles im nächsten Moment kippt. Eine typisierende Inszenierung angesichts der Raffinesse von banalen Risiken, die wir Tag für Tag selbst verursachen.

Die Arbeiten werden in Museumsqualität im Mindest-Format 30 x 50 cm plus 10 cm Rand je Seite auf mattem Büttenpapier ausgedruckt.

Nach langer Zeit habe ich meine Homepage aktualisiert, sowohl technisch (Updates, Datenschutzbestimmung und rechtliche Aktualisierung) als auch inhaltlich. Die Werkgruppen im Bereich „Galerie“ habe ich aufgeräumt, auf das Wesentliche reduziert und damit Platz geschaffen für neue Schwerpunkte und aktuelle Arbeiten. Verabschiedet habe ich mich von den Movitgruppen „Herbstfarben“ (einer frühen Entdeckung des skulpturalen und malerischen Charakters von herbstlichem Laub) und „Stillleben schwarz/weiß“ (einem Experiment, bei dem ich farbige Blumen- und Obststillleben in Grautöne übertragen habe). Die Gruppen „Entfesselt 1 & 2“ wurden auf die wesentlichen Arbeiten reduziert und zusammengelegt. Auch die beiden „Leeren Läden“ bilden nun eine gemeinsame Gruppe.

Die in diesem Jahr (2021) typischen Blumen-Stillleben in geringer Ausleuchtung finden sich in der ersten Gruppe „Zeitgeschehen“ und wurden von mir durch aktuelle Arbeiten komplett erweitert. Viele der Arbeiten wurden bisher auf meiner Seite noch nicht präsentiert.

Auch die Gruppe „Stillleben“ habe ich aktualisiert und durch neue Aspekte erweitert. Es geht nun nicht mehr nur um Farb- und Form-Inszenierungen (Obst), sondern auch um Darstellung von Materialkontrasten und Material-Analogien mit narrativen Komponenten.

Die neue Motivgruppe „Blüten im Detail“ zeigt zwar auch „Blumen und Sträuße“ in dunkler Stimmung. Sie trennt sich jedoch vom strengen Bildaufbau mit seinem distanzierten Blick auf die Szenerie und widmet sich den farbenprächtigen, formvielfältigen und entgrenzenden, chaotischen Strukturen im floralen Detail.

Es sind aber immer noch viele optische und technische „Unebenheiten“ auf meiner Homepage zu entdecken und ich bemühe mich, die Seite in Zukunft weiter zu optimieren…

Der internationale „Monovisions Photography Awards 2021“ gab heute (25. Juli 2021) die GewinnerInnen bekannt. Ich freue mich sehr über die „lobende Erwähnung“ meiner Werkgruppe „Beauty in Doubt“ in der Kategorie „Natur und Wildlife“.

Meine Arbeiten sind selten schwarz-weiß. Die Farbigkeit der Dinge, sowohl Gegenstände, also auch Blumen, Blüten, Pflanzen, sind oft das stärkste Anlass, das Stillleben-Bild überhaupt zu erstellen. Farbbilder steigern des Charakte des Konkreten, Einmaligen und schnell veränglichen. Die Gegenstandsfarbe definiert ganz wesentlich die Materialität des abgebildeten Dinges. Alle Farben des Bildes skizzieren den Raum der gezeigten Farben. Eine Bild nur in schwarz-weiß nimmt dem Abbild wichtige Informationen, Stimmungen, Konkretisierungen.

Es abstrahiert und verweist dadurch auf scheinbar allgemeingültiges: Formen, Proportionen, Rhythmen. Damit zu arbeiten, zu experimentieren, gegensätzliche Wirkungen zu provozieren, grafische Ordnungen oder chaotische Strukturen hervorzurufen, die so ganz anders funktionoieren, als alles bunte, hat mich interessiert und inspiriert. Meine Teilnahme am Wettbewerb war daher eine Herausforderung, die nun, zu meiner großen Überraschung, auch zum Erfolg geführt hat.